12 obras para coleccionar en ARCOmadrid

El trabajo de Alberto Borea (Lima, Perú, 1979), artista plástico peruano, se caracteriza por el uso y continuo desplazamiento de una variedad diversa de materiales y medios. Define la propuesta artística teniendo en cuenta la importancia del tiempo y la historia que toman una importancia fundamental en el discurso plástico y en su proceso de creación de la obra. En sus obras plasma el interés de la relación entre distintas culturas e historias. Atraído por los residuos de la civilización y mapear y resignificar los objetos en su trabajo. Su trabajo fue exhibido en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Estados Unidos, Europa y Latinoamérica.

Ana H. del Amo (Cáceres, España 1977) se centra en el formalismo, en la poética de la geometría, la materia y el color. Forma en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona. En 2005 recibió la Beca de la Real Academia de España en Roma y desde ese momento ha aumentado su continua formación. Se considera una artista de taller, ya que todo el proceso de investigación de sus obras surgen en ese espacio. Es en ese lugar donde se relaciona con los objetos, los materiales, los colores y, de esta forma, va creando sus obras. Los elementos centrales de su trabajo son el color, la materia y el dibujo  de manera geométrica en cada una de sus piezas.

Andrés Pachón (Madrid, España 1985) ha desarrollado una práctica visual sobre la construcción del imaginario colonial con el uso de archivos  fotográficos en antropología y etnografía.Para ello colaboró con instituciones como el Museé du Quai Branly de París, el Museo Nacional de Antropología de Madrid, o el Archivo Fotográfico del Museo de Arte de Lima (MALI) en Perú. En sus trabajos reflexiona sobre la construcción del conocimiento a través de la fotografía, estableciendo relaciones entre las prácticas del s. XIX y XX, y los usos tecnológicos del presente, como es el caso de su actual investigación doctoral en Antropología sobre visualización y cognición en el área de la Inteligencia Artificial. Su obra forma parte de diferentes colecciones internacionales, como la Colección Pilar Citolar (Madrid), la Colección Jozami (Argentina), la Colección del Centro de Arte CA2M (Madrid), la Colección del MEIAC (Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo) o la Colección BEEP de Arte Electrónico. 

Antoni Hervás (Barcelona, España, 1981) es licenciado en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona. En sus obras plasma mediante el dibujo los indios que evidencian el misticismo de lo cotidiano. Intenta llevar sus dibujos al límite  cuando los realiza. Entender el dibujo de una forma elástica permite a Hervás expandir un relato que conecta realidades e instantes acontecidos en tiempos y espacios distintos. En 2020 obtuvo la Beca de la Fundación Botín para las Artes Visuales y la Beca de Producción de La Caixa. Entre las exposiciones destacadas se incluyen: Humor absurdo. Una constelación del disparate en España, en el CA2M, Móstoles (2020), Generaciones en La Casa Encendida, Madrid (2018); El misterio de caviria en La Capella, Barcelona (2016) y Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) (2016). Además, también ha comisariado varios programas educativos.

La fotografía de Ellen Kooi (Leeuewarden, Holanda, 1962) desglosa el pulso entre el hombre y la naturaleza, entre cada persona y su entorno. La planificación de sus imágenes requiere de una laboriosidad y un talento que hace de la puesta en escena un ejercicio de virtuosismo. Complementa la luz natural con una iluminación artificial que reinterpreta la perspectiva aérea renacentista con resultados siempre sorprendentes. La influencia de la coreografía de Wim Vandekeybus, Jan Fabre, y Pina Bausch es capital en el trabajo con sus modelos, creando caligrafías corporales y estados mentales de gran intensidad emocional. El tratamiento arquitectónico de la composición y la perspectiva también juega un papel relevante incluso cuando fotografía exteriores habitualmente desolados y vacíos. Las obras de Ellen Kooi han pasado por numerosos museos y galerías de todo el mundo y su trabajo forma parte de importantes colecciones privadas. 

Cristóbal Ortega (Alhaurín de la Torre, Málaga, 1970) vive y trabaja entre Pekín y Málaga. Estudia Arquitectura en la Universidad de Sevilla, dedicándose profesionalmente a la pintura desde los años 90. Su obra se caracteriza por la representación de sucesiones de notas pictóricas en una arrebatadora partitura. En sus pinturas en óleo, los colores se entremezclan e interactúan generando sinergias y movimientos. Lo esencial en sus obras surge de la armonización de contrarios, del ímpetu y la contención, de la expresión y la formalidad, del fondo y la forma, de lo que yace en lo profundo y de lo que se mueve en la superficie.

Carlos Nunes (1979, São Paulo, Brasil) es licenciado en artes visuales por la Fundação Armando Álvares Penteado (FAAP, São Paulo). Estudió también en la Saint Martins School of Arts, en Londres. En su trabajo intenta adentrarse en piezas cotidianas para ofrecernos otros valores que nos puede llegar a mostrar la observación. Atiende a la estética, el humor y el juego. La obra del brasileño se encuentra en colecciones como São Paulo Pinacoteca, São Paulo, Brasil; Rio Art Museum - MAR, Rio de Janeiro, Brasil; MAC USP, São Paulo, Brasil; Colección Helga de Alvear, Madrid, España; Instituto Figueiredo Ferraz, Ribeirão Preto, Brasil; Colección Andréa y José Olympio Pereira.

João Ferro Martins (Santarém, Portugal, 1979) forma la base de su trabajo artístico mediante la construcción tridimensional, la producción relacionada con la pintura y las relaciones con el universo sonoro. también, desarrolla acciones incluyendo palabras, performance y vídeo. Su obra plástica se basa en procesos donde ideas, recuerdos, síntomas y otros aspectos inmateriales encuentran su existencia física a través de la manipulación de objetos de la cultura cotidiana y musical. La obra del artista está presente en colecciones como Colección Pedro Cabrita Reis, Lisboa, Portugal; Colección Nasjonalmuseet, Oslo, Noruega; EDP Foundation Art Collection, Lisboa, Portugal.

Gloria Oyarzabal (Londres, Reino Unido, 1971) es Licenciada en Bellas Artes y diplomada en Restauración y Conservación por la Universidad Complutense de Madrid. Diversifica su actividad profesional entre el cine, la fotografía y la enseñanza. Ha vivido de 2009 a 2012 en Bamako (Malí), donde desarrolla su interés por la construcción del imaginario africano, los procesos de colonización/descolonización, las nuevas tácticas de colonialismo y las diversas voces africanas en torno a los feminismos. En 2018 presentó para El Ranchito de Matadero Madrid el proyecto fotográfico “Woman go no’gree” tras su residencia en Matadero Madrid y Art House Foundation Lagos (Nigeria), seleccionado para formar parte de la Bienal de Mujeres en las Artes Visuales BMM-2018. Pertenece a las asociaciones MAV y Redes Vivas.

José Ramón Amondarain (San Sebastián, España, 1964) es un artista con una dilatada trayectoria que explora la pintura. Realiza grabados digitales, pinturas, temperas e instalaciones que cuestionan la veracidad del arte. Convoca el trabajo de otros artistas mediante el apropiacionismo.

Sus obras pertenecen a colecciones como: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Grupo Endesa, Arthur Andersen, Fundación Peter Stuyvesant, Banco de España, Unicaja, Caja Madrid, La Caixa, Caja Burgos, Fundación Marcelino Botín, ARTIUM, Coca-Cola , Unión Fenosa, ING Bank o DKV.

Federico Miró (Málaga, España, 1991) es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Málaga y Máster en Investigación en Arte y Creación de la Universidad Complutense de Madrid. En sus obras reivindica la artesanía desde una propuesta razonada y minuciosa.

Ha obtenido becas de la Casa de Velázquez, la Fundación Bilbao Arte y la Academia de San Quirce. También ha recibido premios como el de Pintura de la Universidad de Málaga (2013), el segundo en el XXI Certamen Jóvenes Pintores de la Fundación Gaceta de Salamanca y el citado de los XXVII Circuitos de Artes plásticas.

Luis Gordillo (Sevilla, España, 1934) decide iniciar su carrera artística como pintor tras estudiar derecho y música. Siendo joven, asistió durante dos años a la Escuela de Bellas Artes de Sevilla y residió en París desde 1958 a 1960. Allí tomó contacto con el informalismo siguiendo las pautas de maestros como Michaux, Tapies, Millares, etc.

Hoy en día, su obra es un referente artístico. Gordillo ha expuesto en importantes museos e instituciones y ha sido galardonado con diversos premios a lo largo de su carrera, destacando entre ellos la Orden de Caballero de las Artes y las Letras de Francia por el ministerio francés de Cultura y Comunicación (2008), el Premio Velázquez de Artes Plásticas (2007) o el Premio Nacional de Artes Plásticas (1981).