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20 mujeres artistas que deberías conocer

Nov 16, 2021

20 mujeres artistas que deberías conocer

Para celebrar el Día Internacional de la Mujer, te presentamos las 20 mujeres artistas que deberías conocer. Te presentamos una selección de sus exposiciones más destacadas y obras para comprar.

Marina Vargas

 

Marina Vargas (Granada, España, 1980) es Licenciada en Bellas Artes y amplió sus conocimientos con el máster en Producción e Investigación en Arte en la Universidad de Granada. Es una artista polifacética que aborda diferentes ramas del arte como el dibujo, la pintura, la pintura-escultórica, la escultura, la fotografía, el videoarte y la instalación entre otras. Su trabajo explora la relación entre sentimientos enfrentados, amor-odio, atracción – rechazo, empatía – apatía, cercanía y distancia, lo absurdo de la existencia humana, la muerte, entre otros temas.


 

 

 

La obra de Cristina Toledo (Las Palmas de Gran Canaria, España, 1986) parte de un interés por la transformación de la imagen fotográfica en imagen pictórica. Emplea como punto de partida fotografías ya existentes para elaborar pinturas con las que pretende cambiar sustancialmente la relación que establecemos esa representación, y reactivar su capacidad de transmitirnos significados o plantearnos preguntas. En un mundo repleto de estímulos visuales, considera que la pintura es un mecanismo adecuado para dar una dimensión mucho más corpórea a ciertas imágenes de entre la sobreabundancia de ellas que nos rodea en formato digital y de forma fugaz.


 

 

 

Magdalena Correa (Santiago, Chile, 1968) se ha especializado en proyectos artísticos en los que, a través de la fotografía y el vídeo muestra sus investigaciones sociológicas en territorios aislados y extremos donde habita el ser humano. La artista realiza una completa inmersión personal en los lugares que visita, dando como resultado una larga serie de impactantes imágenes de vidas en lugares extremos. En la exposición “Vidas en el límite”, puede verse una cuidada selección de varias colecciones que esta artista ha presentado en diversas instituciones y museos en distintos países a lo largo de los años.


 

 

 

Livia Marin (Santiago de Chile, Chile, 1973) es una artista chilena afincada en Londres cuyo trabajo se ha caracterizado en todo momento por instalaciones a gran escala y la apropiación de objetos producidos y consumidos en masa. Su trabajo se basó inicialmente en el contexto social y político inmediato de Chile en la década de 1990 que equivalió a una transición de un régimen disciplinario profundamente abierto (dado por diecisiete años de dictadura) a un régimen económicamente disciplinario con una agenda económica neoliberal fuertemente desarrollada.


 

 

 

La pintura de Rita Ferreira (Óbidos, Portugal, 1991) extrae elementos efímeros y viejos recuerdos de su archivo personal, cuya legibilidad, sin embargo, está excluida y diferida. Obtuvo una licenciatura en pintura en la Escuela de Bellas Artes de Lisboa (Universidad de Lisboa). En 2016 recibió la beca “Bolsa Jovens Criadores del Centro Nacional da Cultura”. Su obra forma parte de diversas colecciones nacionales e internacionales importantes.


 

 

 

Gloria Martín (Alcalá de Guadaíra, Sevilla, 1980), es licenciada en Bellas Artes, Máster en Arte, Idea y Producción por la Universidad de Sevilla y profesora de Artes Plásticas en Escuela de Arte de Jerez de la Frontera (Cádiz). Su práctica artística se interesa por todo aquello que tiene que ver con el objeto artístico y el marco contextual, situacional e institucional de la obra de arte. Por ello, su trabajo pictórico parte del universo museístico y la sacralización del objeto artístico como vestigio contemporáneo y reflexiona sobre su significado, historia y modo de contextualización.


 

 

 

Con una aproximación instalativa a diferentes medios como la escultura, el vídeo, la fotografía o la pintura, Marina González Guerreiro (Pontevedra, España, 1992) revisa el imaginario iconográfico en torno a la idea de felicidad, prestando especial atención a fenómenos relacionados con la gestión del estrés y la construcción de una naturaleza idealizada.


 

 

Ana H. del Amo

Ana H. del Amo (Cáceres, España, 1977) imita a la propia naturaleza cuando apunta a lo insignificante para llegar a lo trascendente, cuando exige al espectador una visión más atenta y una comprensión circular, no lineal; cuando plantea su trabajo como un juego de sutilezas donde materiales, formas, colores y texturas parecen iniciar un baile espontáneo y festivo, inmanente a otra forma libre y optimista de ver el mundo, apoyada en la sensualidad y la contra-asepsia y en absoluto necesitado de normas férreas o pasos que sigan jerarquías previamente estipuladas.


 

 

 

Dalila Gonçalves (Castelo de Paiva, Portugal. 1982) es licenciada en Artes Plásticas y Máster en Enseñanza de Artes Visuales (2009) por la FBAUP y la FPCEUP (Universidad de Oporto 2009).  A partir de un juego experimental, Dalila Gonçalves nos muestra la permeabilidad entre las materias y procesos de la práctica artística y las vivencias cotidianas.


 

 

 

 

El trabajo de Inma Herrera (Madrid, España, 1986) analiza, deconstruye y enreda el lenguaje del grabado. Éste, cargado de complejidades, del peso de la tradición y del trabajo con el cuerpo, se ha convertido en su mejor aliado en su práctica para establecer relaciones entre estampa, escultura e imagen en movimiento.


 

 

 

Los últimos años de su trabajo, Teresa Costa Gomes (Lisboa, Portugal, 1993), que estudió Artes Plásticas en la ESAD.cr (Calda da Rainha, PT), viene aprisionando un público que acompaña su trabajo artístico porque si la obra tiene algo que nos sorprende por la diversidad emocional – algo que no siempre es consensual, también nos atrae en esta artista emergente la profundidad de su registro pictórico y figurativo, y que nos recuerda la técnica de los antiguos Maestros de la pintura a óleo sobre madera de la Escuela Holandesa .

 

 

 

 

Rebeca Khamlichi (Madrid, España, 1987) no es una pintora. Es una forma de pintar. En su universo conviven a codazos el diseño gráfico y la iconografía religiosa del siglo XVII, los dibujos animados y Michael Haneke, el rosa chicle y las Pinturas Negras de Goya, el Superflat y la copla: algo así como si Doña Concha Piquer se arrancara por haikus.


 

 

 

En sus comienzos, la artista Rosa Torres (Valencia, España, 1948) formó parte de Equipo Crónica. Su estilo reconocido y personal usa como sello visual monográfico el paisaje, uno de los ejes principales de su trayectoria que ha definido hasta límites desorbitados, acotando las formas naturales desde la abstracción hasta la más extrema síntesis, con una visión reducida y determinada en busca de extraer la esencia de lo real.


 

 

 

La fotografía es el centro de la producción artística y la investigación de Lilly Lulay (Frankfurt, Alemania, 1985), pero más que producir fotografías por sí misma, está interesada en el rol que la fotografía juega en nuestra vida diaria. Lilly Lulay estudió fotografía, escultura y sociología de los medios de comunicación en Alemania y Francia. Por sus trabajos basados en la fotografía, Lilly Lulay ganó varios premios y becas como. Además, su obra forma parte de importantes colecciones.


 

 

 

El trabajo de Nora Aurrekoetxea (Bilbao, España, 1989) se basa en una forma escultórica de entender y construir instalaciones donde diferentes lenguajes formales -texto, objetos y performance- comparten el mismo espacio y tiempo. Está enfocado en los aspectos emocionales y psicológicos de la experiencia, y ahonda en las complejas dinámicas psicológicas individuales y colectivas en la esfera íntima. Los objetos están presentados en relación con el espacio que ocupan, funcionando como un sistema de codependencia donde la forma pueda alcanzar su propia autonomía y sitúa la inestabilidad de las narrativas como la estructura de la misma.

 

 

 

 

María Luisa Beneytez (Sevilla, España, 1980) es doctorada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, con una tesis dedicada a la mujer como tema de representación en la pintura occidental. Su trabajo siempre ha estado ligado a la pintura, en concreto a la pintura de paisaje y participó en varias exposiciones colectivas junto al grupo de investigación de la Universidad El Observatorio del Paisaje, entre ellas Diálogos de piedra y agua (Museo de Alcalá de Guadaíra, Sevilla, 2012).


 

 

 

Alba Escayo (Avilés, España, 1981) es Licenciada en la Bellas Artes en la Universidad Complutense continua sus estudios de postgrado en Bolonia y en Belgrado. Escayo vive en Madrid y participa frecuentemente en exposiciones y proyectos internacionales. Colaboraciones con otros artistas e instituciones la han llevado a trabajar asiduamente en Singapur y en los Balcanes.

 

 

 

 

Ángela Gurría (Ciudad de México, México, 1929) Fue alumna del escultor Germán Cueto, introductor del abstraccionismo dentro de las formas escultóricas en el arte moderno en México, posteriormente fue aprendiz en el taller de Mario Zamora y continuó su aprendizaje para desarrollar otras técnicas en Inglaterra, Francia, Italia, Estados Unidos y Grecia. En ese entonces, firmó sus obras bajo pseudónimos masculinos como Alberto Gurría o Ángel Gurría, sin embargo, con el tiempo dejó el anonimato y se convirtió en pionera en la escultura moderna mexicana, logrando reconocimiento con su obra pública y monumental en México.

 

 

 

 

Regine Schumann (Goslar, Alemania, 1961) estudió arte en el Hochschule für Bildende Künste de Braunschweig de 1982 a 1989. En 1989 se formó con el pintor Roland Dörfler. Entre 1986 y 1994 fue miembro del grupo de artistas Freiraum, jutno con Frank Fuhrmann y Dieter Hinz. Además de varios encargos para obras públicas, ha recibido numerosas becas, incluyendo la beca DAAD para Italia en 1990 y una estancia en Jápón financiada por el estado del Rin del Norte-Westfalia en el año 2000. En 1996 recibió el premio Saving Bank Art Award y en 2006 el premio Leo Breuzer.


 

 

 

Ana Sacerdote (Roma, Italia, 1925) es una artista abstracta argentina que vive en Buenos Aires, Argentina. Sacerdote se graduó de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredon en Buenos Aires y estudió con Lino Enea Spilimbergo y Hector Cartier. A mediados de la década de 1950 expuso con Carmelo Arden Quin, Martín Blaszko, Gregorio Vardanega, Virgilio Villalba, Luis Tomasello y otros en la Asociación Arte Nuevo de Buenos Aires, organizada por Aldo Pellegrini. En 1956, con las recomendaciones de Jorge Romero Brest y Pablo Curatella Manes, Sacerdote recibió una beca del gobierno francés para vivir y estudiar en París. Continuó pintando durante la década de 1960, cuando se interesó por el videoarte y luego por los dibujos generados por computadora.